PROGRAMA 102 STRAWBERRY FIELDS

 PROGRAMA 102 DE STRAWBERRY FIELDS. ESPECIAL ANIVERSARIO ABBEY ROAD.

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PROGRAMA 102 STRAWBERRY FIELDS

 

La temporada de Strawberry Fields continúa avanzando y lo hace con otro especial que hará el número 102 del programa ya que hoy dada la fecha que es no podía dejar de lado lo que voy a tratar contigo en el episodio. El disco Abbey Road cumple 54 años y como los que me conocéis sabéis que este es mi preferido dentro de la discografía de Los Beatles, le haré mi particular homenaje analizándolo y compartiéndolo contigo, tanto si me estás escuchando en podcast en cualquiera de las plataformas en las que está disponible o bien si lo estás haciendo desde la web www.radiooasis.es o en el 105.9 de la FM en Radio Oasis Salamanca, la casa que vio nacer a Strawberry Fields en 2014 y donde he regresado 6 años después de abandonarla. Antes de continuar te invito a suscribirte al podcast en el canal de iVoox de Strawberry Fields para poder disfrutar de todos los episodios realizados hasta la fecha, y también quiero agradecerte de manera muy especial la acogida que has dado al inicio de la cuarta temporada y a los dos programas realizados antes de este que está a punto de comenzar. Tanto si vas a escuchar hoy Strawberry Fields en formato podcast o radiofónico mientras paseas, haces las tareas de casa, vas de camino al trabajo, estás en el gimnasio o en la cama (pero sin quedarte dormido), espero que pases un rato agradable en compañía de Los Beatles y de quien te está hablando, José Ángel Martín. Prepárate, porque esto comienza ya, arranca Strawberry Fields.

 

[THE BALLAD OF JOHN AND YOKO, THE BEATLES]

 

Para ponernos en el contexto del año 1969 he arrancado con "The Ballad Of John And Yoko", la cara A del single publicado el 30 de mayo de 1969. Es conocido que Let It Be fue el último álbum publicado de Los Beatles, pero la realidad es que el último que grabaron fue Abbey Road, que a su vez es de los más populares dentro de la discografía de los cuatro fabulosos de Liverpool. Para cuando fue publicado, el 26 de septiembre de 1969, se benefició del gran trabajo promocional que realizó Allen Klein, su nuevo mánager, y vendería más de 5 millones de copias durante su primer año, casi 2 millones más que otro disco icónico, Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band. Tras este éxito apabullante, los míticos estudios de EMI en los que Los Beatles grabaron casi todo su catálogo y ubicados en el número 3 de Abbey Road en el barrio de St. John's Wood serían bautizados con el nombre de la calle y del disco y serían declarados como monumento histórico el 23 de febrero del año 2010.

 

A principios de ese año 69 la grabación y realización del proyecto Get Back y futuro Let It Be, no saldría como estaba previsto a pesar de la soberbia presentación del cuarteto sobre la azotea de Apple el día 30 de enero y el resultado fue que esas grabaciones quedaron archivadas hasta nuevo aviso. Paul McCartney no podía aceptar el fracaso, y a comienzos del mes de abril volvería a poner en funcionamiento y a motivar a todo el equipo. George Martin contaba acerca de esto:

Me sorprendió bastante descolgar el teléfono y que Paul me dijera: “Vamos a hacer otro álbum ¿Quieres producirlo?. Yo respondí al instante: Está bien, pero solo si me dejáis hacerlo como lo hacíamos antes. De acuerdo, es lo que queremos también, me dijo Paul. ¿También John? Le dije yo a lo que Paul respondió: sí, de verdad. Bueno, pues si es verdad que lo queréis ¡vamos a por ello!

 

También el ingeniero Geoff Emerick aceptó volver después de haber abandonado las sesiones del Álbum Blanco. Para entonces, todos eran conscientes de que el viaje poco a poco llegaba a su final y se esforzaron y se esmeraron mucho en la interpretación, grabación, instrumentación y armonías vocales. Lo curioso es que apenas coincidían los 4 en el mismo estudio ya que se evitaban durante gran parte del tiempo e incluso John se ausentó de forma voluntaria en alguna canción como “Maxwell's Silver Hammer”. Hace pocos años, el experto Mark Lewisohn descubrió una conversación grabada entre ellos en la que parece ser que había planes más allá de este disco, pero que desgraciadamente no llegaron a cumplirse.

Lennon sufrió un accidente de coche en Escocia el día 1 de julio. Viajaban junto a él Yoko Ono y los hijos de ambos, Julian y Kyoko, y este hecho ocasionó que John se perdiera el comienzo de las sesiones de grabación del nuevo álbum de Los Beatles. Regresó el 9 del mismo mes e instaló a Yoko en el estudio en una cama con un micro de órdenes a su disposición, en una esquina del mismo. Estaba embarazada y no se encontraba bien y por eso John tomó esa decisión que enrareció el ambiente en el lugar de trabajo.

Eso sí, musicalmente, la magia permaneció intacta y Los Beatles entregaron la quintaesencia de su arte aunque la camaradería y solidaridad ya no estuvieran presentes. En el plano técnico, George Martin se encargaría de llevarlos hacia una producción al estilo de Sgt Pepper haciéndoles pensar en términos sinfónicos y esto agradaría mucho a Paul pero John quería permanecer más cercano al rock and roll. El resultado sería que la cara A sería más rock y la B más sinfónica.

El disco lo abriría John con un rock potente e imparable, “Come Together”, y también firmaría una de las melodías más bellas del mismo, “Because”. La confirmación de que George Harrison era un compositor a la altura del tándem Lennon-McCartney llegó con las canciones “Here Comes The Sun” y “Something”, tema este último que llegó a lo más alto de las listas cuando se publicó como sencillo. Hasta Ringo ofreció su mejor canción, “Octopus's Garden” y Paul finalizó el álbum con un Medley para la historia.

Varios temas como “Oh! Darling” o “I Want You (She's So Heavy)” se trabajaron ya entre enero y febrero de 1969, pero se grabarían de forma definitiva entre julio y agosto como el resto del disco. Desde su publicación el 26 de septiembre, escalaría rápidamente hasta el primer puesto de las listas. El entusiasmo de los fans se centraría en Paul, el cual para escapar de esa presión mediática se recluyó en su granja de Escocia. Esto originaría la absurda teoría de que había muerto y que era sustituido por un doble y a raíz de esto, los seguidores buscaban afanosos los indicios sobre este suceso y la carátula de Abbey Road les proporcionó un gran número de pruebas que te invito a escuchar en el episodio 55 en el canal del podcast.

La idea de la portada nació, según algunas fuentes, de una broma de Ringo. Entre los nombres que se barajaron estaba Everest, que era la marca de cigarrillos que fumaba Geoff Emerick e incluso se planteó la posibilidad de ir hasta el Himalaya a hacer la foto pero, a excepción de Paul, esta idea parece ser que no seducía a nadie. Fue entonces cuando algunos cuentan que Ringo dijo bromeando: ¿Por qué no lo llamamos Abbey Road y hacemos las fotos delante del estudio?. Otras fuentes atribuyen a Paul la idea para el nombre y portada y la única certeza existente es que fue él quien entregó al fotógrafo Iain MacMillan un boceto con el proyecto de carátula.

 

El 8 de agosto sobre las 11:30 se realizaría la sesión de fotos para la portada mientras la policía detenía el tráfico. Subido sobre una banqueta, MacMillan hizo seis fotos en no más de 10 minutos de Los Beatles cruzando el paso de cebra de un lado a otro frente a los estudios de grabación. La elegida sería la quinta. También este paso de cebra fue declarado como monumento histórico en 2010 por su valor cultural e histórico. Lo que es cierto es que este ya no se encuentra exactamente en el mismo lugar por el que los Fab Four pasaron, ya que este sería desplazado unos metros al parecer por cuestiones de tráfico.

 

El letrero de la calle Abbey Road que adornó la contraportada del álbum fue tomado por MacMillan en un cruce con Alexandra Road que ya no existe. Cuando hizo la foto, una chica con vestido azul se cruzó por delante del objetivo y aunque él pensaba que había estropeado la imagen, sería la elegida por Los Beatles. Después de la grabación de este disco, John Lennon y Paul McCartney no volvieron a tocar juntos hasta 1974, en una sesión improvisada en los Record Plant Studios junto a otras celebridades.

 

 

'Come Together', la canción principal del álbum Abbey Road de los Beatles, fue concebida por John Lennon como un grito de guerra político para el escritor, psicólogo y activista pro drogas Timothy Leary. John le diría a David Sheff en 1980:

“Era un disco funky: es uno de mis temas favoritos de los Beatles o uno de mis temas favoritos de Lennon, digámoslo así. Es funky, es blues y lo canto bastante bien. Me gusta el sonido del disco y puedes bailar con él. ¡Yo lo compraría!”

'Come Together' fue compuesta para la campaña de Timothy Leary para oponerse a Ronald Reagan como gobernador de California. Leary y su esposa Rosemary habían viajado a Montreal para la encamada por la paz de John y Yoko, que tuvo lugar el 1 de junio de 1969. Los Leary participaron en la grabación de 'Give Peace A Chance' de Lennon y ambos aparecían con su nombre en la letra. Al día siguiente, Lennon se ofreció a ayudar en la campaña de Leary. Su lema era "Únanse, únanse a la fiesta". Lennon le envió a Leary una cinta de demostración con ideas para canciones pero sin embargo, la campaña terminó cuando Leary fue encarcelado por posesión de cannabis, lo que le permitió a Lennon grabar la canción con Los Beatles. 'Come Together' fue la última postura politizada de Lennon en la banda.

Musicalmente, 'Come Together' se inspiró en la canción de 1956 de Chuck Berry 'You Can't Catch Me' por lo que Lennon fue demandado a posteriori por el editor de Berry, Morris Levy. Llegaron a un acuerdo extrajudicial y Lennon acordó grabar más canciones propiedad de Levy.

'Come Together' soy yo, escribiendo oscuramente en torno a un viejo tema de Chuck Berry. Dejé una línea pero no se parece en nada a la canción de Chuck Berry, pero me llevaron a los tribunales porque admití la influencia una vez hace años. Podría haberla cambiado por 'Here comes old iron face', pero la canción sigue siendo independiente de Chuck Berry o de cualquier otra persona en la tierra.

Lanzada como sencillo el 6 de octubre de 1969, 'Come Together' alcanzó el número uno en Estados Unidos. Entró en el top 40 el 18 de octubre y permaneció en las listas durante 16 semanas. Como doble cara A de 'Something' de George Harrison, 'Come Together' solo alcanzó el puesto número cuatro en el Reino Unido cuando fue lanzado el 31 de octubre de 1969.

 

[COME TOGETHER, THE BEATLES]

 

Quizás el mejor momento de George Harrison en el álbum de Abbey Road, 'Something' fue uno de los aspectos más destacados indiscutibles del disco, mostró finalmente a Harrison abandonando la sombra de Lennon y McCartney como compositores. 'Something' fue escrita durante las sesiones de 1968 del álbum The Beatles (White Album), aunque no estuvo terminada hasta el año siguiente.

“Había escrito 'Something' en el piano durante la grabación del Álbum Blanco. Hubo un período durante ese álbum en el que todos estábamos en diferentes estudios haciendo diferentes cosas tratando de terminarlo, y yo solía tomarme un tiempo libre. Así que entré en un estudio vacío y escribí 'Something'”.

Aunque originalmente se le ofreció a Jackie Lomax, la demostración de guitarra y voz se le dio a Joe Cocker. La versión de Cocker se grabó antes que la de Los Beatles, pero no se lanzó hasta noviembre de 1969. En su autobiografía Wonderful Today (Wonderful Tonight en EE. UU.), la ex esposa de Harrison, Pattie Boyd, afirmó que la canción fue escrita sobre ella. Harrison restó importancia al sentimiento y dijo que, de hecho, fue escrita pensando en Ray Charles.

John Lennon y Paul McCartney valoraron muy positivamente la canción y Lennon dijo: "Creo que, de hecho, es la mejor canción del álbum", mientras que las palabras de McCartney fueron: "Para mí, creo que es lo mejor que ha escrito".

 

[SOMETHING, THE BEATLES]

 

'Maxwell's Silver Hammer', una alegre canción escrita por McCartney sobre un maníaco homicida, fue considerada por su autor como un posible sencillo de los Beatles. Paul diría:

'Maxwell's Silver Hammer' fue mi analogía para cuando algo sale mal de la nada, como suele suceder, tal y como estaba empezando a descubrir en ese momento de mi vida. Quería algo simbólico sobre eso, así que para mí era un personaje ficticio llamado Maxwell con un martillo de plata. No sé por qué era plateado, simplemente sonaba mejor que el martillo de Maxwell.

McCartney probablemente escribió la canción a principios de 1968. En un cuaderno titulado Spring Songs Rishikesh 1968 guardó las letras y notas de muchas de las canciones del Álbum Blanco, además de otras. En el libro escribió palabras para el primer verso de este tema. McCartney llevó la canción a Los Beatles por primera vez en enero de 1969, durante las sesiones Get Back/Let It Be y en la película podemos ver a McCartney enseñándole la canción a la banda, mientras estos claramente no estaban muy entusiasmados. Esta escena tuvo lugar el 3 de enero y también contó con Mal Evans en la percusión golpeando un yunque. 'Maxwell's Silver Hammer' fue particularmente ridiculizado por Lennon, que no tocó en ella. A Harrison tampoco le gustaban en general las canciones caprichosas de McCartney, y en una entrevista de 2008, Starr respaldó la evaluación de Lennon de la misma.

 

[MAXWELL'S SILVER HAMMER, THE BEATLES]

 

'Oh! Darling' fue originalmente intentada por Los Beatles durante las sesiones de Get Back/Let It Be. Después de algunos años desde que desplegó los estilos de rock 'n' roll desgarradores para la laringe como 'I'm Down' y 'Long Tall Sally' (sin olvidarnos de 'Helter Skelter'), McCartney volvió a romper la voz en una grabación. Paul, que vivía en Cavendish Avenue, a sólo dos calles de Abbey Road, tenía la costumbre de llegar antes que los demás Beatles para grabar su voz para la canción. En 1969, McCartney pensó que su voz era demasiado clara para hacer justicia a la canción y afirmó que "quería que sonara como si la hubiera estado interpretando en el escenario toda la semana".

Recuerdo principalmente querer conseguir la voz correcta, querer hacerlo bien, y terminé intentándolo cada mañana cuando llegaba a la sesión de grabación. Lo probé con un micrófono de mano y con un micrófono de pie, lo probé en todos los sentidos y finalmente obtuve la voz con la que estaba razonablemente satisfecho. Era un poco pesado e inusual para mí, ya que normalmente intentaba hacer todas las voces en un día.

John Lennon valoró mucho la canción, aunque se caracterizó por ser cauteloso en sus elogios.

'¡Oh! Darling' era una gran canción de Paul que no cantó demasiado bien. Siempre pensé que yo podría haberlo hecho mejor; era más mi estilo que el suyo. Él la escribió, así que ¡qué diablos!, lo va a cantar. Pero si hubiera tenido sentido común, debería haberme dejado cantarla.[Risas]

 

[OH! DARLING, THE BEATLES]

 

La segunda composición de Ringo Starr para Los Beatles fue escrita en Cerdeña. El 22 de agosto de 1968 abandonó temporalmente las sesiones del Álbum Blanco tras desilusionarse con las crecientes tensiones dentro del grupo. Llevó a su familia al extranjero a pasar unas vacaciones en barco y regresó a Abbey Road el 5 de septiembre.

Escribí 'Octopus's Garden' en Cerdeña. Peter Sellers nos había prestado su yate y salimos a pasar el día... Me quedé en cubierta con el capitán y hablamos de pulpos. Me dijo que pasan el rato en sus cuevas y recorren el fondo del mar buscando piedras brillantes, latas y botellas para poner frente a su cueva como si fuera un jardín. Pensé que esto era fabuloso, porque en ese momento yo también quería estar bajo el mar.

Starr y George Harrison trabajaron por primera vez en la canción durante las sesiones de Get Back/Let It Be en enero de 1969; tal vez Harrison sintió un sentimiento de solidaridad después de sentir que John Lennon y Paul McCartney estaban descartando sus propias composiciones y las trataban como de segunda categoría y diría:

'Octopus's Garden' es la canción de Ringo. Es sólo la segunda canción que escribió Ringo y es preciosa. Ringo se aburre de tocar la batería, y en casa toca un poco el piano, pero sólo sabe tres acordes y sabe lo mismo con la guitarra. Creo que es una canción realmente genial, porque superficialemente parece una canción infantil tonta, pero la letra es genial. Para mí, ya sabes, existe un significado muy profundo en la letra, que Ringo probablemente no ve, pero todo eso como 'descansar la cabeza en el fondo del mar' y 'Estaremos calientes bajo la tormenta', que es realmente genial, ¿sabes? Porque es como si este nivel fuera una tormenta, y si profundizas en tu conciencia, es muy pacífico. Entonces Ringo está escribiendo sus canciones cósmicas sin darse cuenta.

 

[OCTOPUS'S GARDEN, THE BEATLES]

 

'I Want You (She's So Heavy)' fue escrita por John Lennon y es la encargada de cerrar la cara A de Abbey Road. Un grito de amor en varias partes que fue grabado durante un período de seis meses entre febrero y agosto de 1969. Los Beatles habían tocado la canción por primera vez varias veces en enero de 1969, durante las sesiones de Get Back/Let It Be. Originalmente con el título provisional 'I Want You', el grupo volvió a usarlo menos de un mes después, como la primera canción grabada para Abbey Road, aunque también fue una de las últimas canciones del álbum en completarse.

Con poco menos de ocho minutos, 'I Want You (She's So Heavy)' también contiene algunas de las letras más simples de John Lennon y Los Beatles desde los días de 'Love Me Do' y en una efusión directa de su amor devorador por Yoko Ono, nos encontramos con que la canción contiene solo 14 palabras diferentes, aunque la obsesión de la letra se refleja en la repetitividad de la música. La canción contiene las mismas frases reproducidas con una serie de variaciones rítmicas, de tempo y de compás y quizás la absoluta alteridad de 'I Want You (She's So Heavy)' explique por qué fue tan apreciada por todos los miembros de Los Beatles.

Lo más notable, sin embargo, es el final de tres minutos, con las guitarras sobregrabadas de Lennon y George Harrison en múltiples pistas sobre el mismo patrón de acordes implacable, que fue cortado a todo volumen para dar la impresión de que podría haber durado para siempre. Lennon también utilizó el generador de ruido blanco de un sintetizador Moog para conseguir el efecto del viento aullante.

 

[I WANT YOU (SHE'S SO HEAVY), THE BEATLES]

 

Here Comes The Sun', la segunda canción de George Harrison en Abbey Road, abriría la cara B y fue escrita con una guitarra acústica en el jardín de la casa de Eric Clapton en Surrey. La canción expresaba el alivio de Harrison por estar lejos de las tensiones dentro de Los Beatles, de los problemas con Apple y de los diversos asuntos comerciales y legales que en ese momento eclipsaban la creatividad del grupo.

George diría: 'Here Comes The Sun' se escribió en una época en la que Apple se estaba volviendo como una escuela, donde teníamos que ir y ser hombres de negocios: 'Firma esto' y 'Firma aquello'. Parece como si el invierno en Inglaterra durara una eternidad, así que cuando llega la primavera, realmente te lo mereces. Así que un día decidí que iba a dejar Apple y fui a la casa de Eric Clapton. El alivio de no tener que ir a ver a todos esos contables tontos fue maravilloso, y caminé por el jardín con una de las guitarras acústicas de Eric y escribí 'Here Comes The Sun'.

John Lennon no participó en 'Here Comes The Sun' ya que se estaba recuperando de un accidente de coche en el momento de las primeras sesiones. George Harrison completó gran parte de la canción él solo.

 

[HERE COMES THE SUN, THE BEATLES]

 

'Because' se inspiró en la Sonata 'Claro de Luna' de Beethoven y contó con las distintivas armonías vocales de tres partes de los Beatles. Yoko Ono era una pianista de formación clásica cuyos intereses se habían desplazado hacia la vanguardia. Un día de 1969, sin embargo, tocó la Sonata para piano n.° 14 de Beethoven en do sostenido menor. Tumbado en el sofá escuchando, John Lennon le pidió que tocara los acordes al revés y escribió 'Because' alrededor del resultado. Si bien no es una inversión exacta de la pieza de Beethoven, contiene varias similitudes musicales. Las armonías vocales son uno de los aspectos más distintivos del tan admirado 'Because'. John Lennon, Paul McCartney y George Harrison cantaron juntos y sobregrabaron sus voces dos veces más, dando el efecto de nueve voces.

 

[BECAUSE, THE BEATLES]

 

Como yo soy de los que opinan que el medley de Abbey Road hay que escucharlo sin pausa, así lo haremos, y antes comentaré contigo todas las canciones que lo componen.

Un lamento sobre las disputas comerciales de los Beatles a principios de 1969, 'You Never Give Me Your Money' fue escrita por Paul McCartney y fue la génesis del 'largo popurrí' que dominó la segunda mitad del álbum de Abbey Road y que escucharemos sin pausa. El clímax de 'You Never Give Me Your Money' es el canto repetido: “Uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, todos los niños buenos van al cielo” y está respaldado por un motivo de notas de guitarra que luego regresaría como puente entre 'Carry That Weight' y 'The End'.

La canción se reproduce con una selección de bucles de cinta, con los que la misma da paso a 'Sun King' que fue escrita por John Lennon. Aunque Lennon probablemente obtuvo el título de The Sun King, la biografía escrita por Nancy Mitford en 1966 sobre el rey francés Luis XIV, la canción desciende a tonterías en español, italiano y portugués, con alguna que otra frase en inglés. 'Mean Mr Mustard' fue grabada junto con 'Sun King', siendo compuesta en la India por John Lennon en la primavera de 1968.

Se consideró la inclusión de 'Mean Mr Mustard' en el Álbum Blanco. Esta se basó en un hombre avaro, John Alexander Mustard, sobre quien Lennon había leído en el Daily Mirror el 7 de junio de 1967. Mustard, un escocés de 65 años, había sido llevado a un tribunal de divorcio por su esposa debido a su mezquindad. Aunque 'Polythene Pam' fue escrita por John Lennon en 1968,  no fue grabada ni lanzada hasta el año siguiente, cuando se incluyó como parte del largo popurrí. 'Polythene Pam' se grabó como una sola canción con 'She Came In Through The Bathroom Window' de Paul McCartney y esta fue la única vez que se grabaron dos canciones separadas de los dos escritores como una sola. La canción cuenta, con cierta licencia poética, la historia de un limpiador de Liverpool con un fetiche casi cómico. Cantado con un fuerte acento scouse para darle una autenticidad terrenal, se remonta a los primeros días de los Beatles actuando en los lugares más sórdidos de Merseyside. También resucita el estribillo del grupo 'yeah, yeah, yeah' de los días de 'She Loves You'.

Se cree que el personaje de 'Polythene Pam' proviene de dos mujeres de diferentes épocas de la existencia de los Beatles. La primera fue Pat Dawson (de soltera Hodgett), una fan de Liverpool de los primeros días del grupo, conocida como Polythene Pat debido a su probable amor por el polietileno. La segunda mujer era la novia del poeta inglés Royston Ellis, para quien Los Beatles habían actuado como banda de acompañamiento en Liverpool en junio de 1960. El grupo siguió siendo amigo de Ellis durante algunos años, y en 1963 John Lennon tuvo un encuentro memorable con Ellis y su novia Stephanie.

'She Came In Through The Bathroom Window' fue escrita por Paul McCartney es una canción sobre los 'Apple scruffs' que vigilaban el exterior de la sede del grupo, los estudios Abbey Road y las casas de cada uno de los miembros del mismo. Se cree que la canción se basó en un incidente en el que unas fans tomaron una escalera del jardín de McCartney, subieron a su casa en Cavendish Avenue y robaron una preciosa fotografía, posiblemente de su padre. Se dice que algunas de los Scruff sabían dónde guardaba McCartney la llave de su casa y se turnaban para mirar el interior. Las más atrevidas se llevaron recuerdos del domicilio hasta que McCartney se dio cuenta de las pérdidas. El final de 'She Came In Through The Bathroom Window' trae una pausa en el popurrí de Abbey Road.

 

[YOU NEVER GIVE ME YOUR MONEY/SUN KING/MEAN MR MUSTARD/POLITHENE PAM/SHE CAME IN THROUGH THE BATHROOM WINDOW, THE BEATLES]

 

El comienzo de la secuencia final del largo popurrí de Abbey Road, 'Golden Slumbers', se grabó como una sola pieza con 'Carry That Weight' y se basó en un poema escrito casi 400 años antes. John Lennon le dijo a David Sheff en 1980:

Ese es Paul, aparentemente de un poema que encontró en un libro muy antiguo donde simplemente cambió las palabras aquí y allá.

La letra de la canción fue tomada de una balada del poeta y dramaturgo isabelino Thomas Dekker (1570-1632). Paul McCartney vio la partitura en el piano en la casa de su padre en Heswall on the Wirral y dijo:

Estaba tocando el piano en Liverpool, en la casa de mi padre, y el libro de piano de mi hermanastra Ruth estaba en el atril. Lo estaba hojeando y llegué a 'Golden Slumbers'. No sé leer música y no podía recordar la vieja melodía, así que comencé a tocar una propia. Me gustaron las letras, así que las conservé y encajaban con otra canción que tenía.

Esto sugiere que ya había escrito 'Carry That Weight' y, por lo tanto, es probable que haya compuesto la música de 'Golden Slumbers' como continuación de la misma y modificando ligeramente el texto original de Dekker, publicado por primera vez en 1603 en Patient Grissil. Grabado junto con 'Golden Slumbers', 'Carry That Weight' se refería a los problemas que estaban teniendo los Beatles, tanto dentro del grupo como en sus negocios en Apple.

Generalmente soy bastante optimista, pero en ciertos momentos las cosas me afectan tanto que ya no puedo serlo y esa fue una de esas ocasiones. Habíamos tomando mucho ácido y consumido muchas drogas y ahora estaba toda esta mierda de Klein. Llevar ese peso durante mucho tiempo: ¡como para siempre! A eso me refería.

'Carry That Weight' también incluye la melodía de 'You Never Give Me Your Money', primero interpretada con instrumentos de metal y luego cantada con diferentes letras por McCartney solo en el único pasaje vocal de la canción sin los otros Beatles, aunque tenía doble pista para dar armonía.

Estábamos entrando en un período, entre mediados y finales de los años sesenta, en el que consumíamos LSD, nos quedábamos despiertos toda la noche, luego deseábamos que se pasara el efecto y descubríamos que no lo hacía. Un mal viaje podría hacerte sentir un poco pesado, en lugar de disfrutar de la normal ligereza de la juventud. Sabes, empezamos fumando marihuana y todo eran risas. Fue muy divertido. Nos encantó y fue genial, y lo peor que podía pasar era que te quedaras dormido, y eso estaba bien. Pero una vez que nos metimos en cosas más serias y ya no había ese ligero alivio, podía ser opresivo.

A eso se sumaron los problemas comerciales en Apple Records, que realmente fueron horribles. Las reuniones de negocios eran simplemente desgarradoras. Nos sentábamos en una oficina y era un lugar en el que simplemente no querías estar, con gente con la que no querías estar. Hay una foto genial que Linda tomó de Allen Klein, en la que tiene un martillo como el martillo plateado de Maxwell. Es muy simbólico. Y es por eso que tenemos el pequeño guiño y un pequeño guiño en la sección central de 'You Never Give Me Your Money'.

 

El motivo de guitarra arpegiado del final de 'You Never Give Me Your Money' también reaparece hacia el final de 'Carry That Weight', actuando como puente hacia 'The End'. El tejido de elementos con las otras canciones de McCartney en el popurrí de Abbey Road dio una sensación de continuidad y plenitud que de otro modo habría estado ausente. La última canción del último álbum grabado de Los Beatles (aparte de 'Her Majesty',de 23 segundos) fue 'The End', un epitafio apropiado para el grupo más grande que el mundo haya conocido jamás, y una acertada despedida de la banda a su legión de fans. John Lennon recordaba en 1980 con David Sheff:

Ése es Paul otra vez con otra canción inacabada, ¿verdad? Estamos en el final de Abbey Road y tenía una línea [canta] 'Y al final, el amor que recibes es igual al amor que das', que es una línea filosófica muy cósmica. Lo que demuestra una vez más que si quiere, puede pensar.

 

Era poco probable que cualquier otro Beatle que no fuera Paul McCartney hubiera terminado escribiendo el epitafio de Los Beatles. A John Lennon generalmente no le gustaba el popurrí de Abbey Road, aunque contribuyó con un puñado de canciones, y en un momento quiso que sus canciones y las de McCartney estuvieran en lados separados del álbum. George Harrison, mientras tanto, se había cansado del dominio de McCartney dentro del grupo y comenzaba a dedicar sus energías a otros proyectos. Aparte del generalmente dócil Ringo Starr, McCartney fue el único que se dedicó plenamente a Los Beatles hasta el final, y reconoció que merecían una despedida adecuada. Según Paul McCartney: Este es uno de esos versos que pueden hacerte pensar durante mucho tiempo. Puede que se trate de buen karma. Lo que se da,  se da, como se dice en Estados Unidos.

 

'The End' presenta el único solo de batería de Ringo con Los Beatles, siendo necesario un poco de persuasión antes de que este aceptara hacerlo. También presenta el sonido de McCartney, Harrison y Lennon tocando las guitarras solistas en turnos para interpretar secuencias de dos compases sobre los coros de “Love you, love you”. Y Geoff Emerick recordaba:

La idea de los solos de guitarra fue muy espontánea y todos dijeron: '¡Sí! Definitivamente'... bueno, excepto George, que estaba un poco aprensivo al principio. Pero vio lo emocionados que estaban John y Paul, así que aceptó. Sinceramente, creo que les gustó bastante la idea de tocar juntos, sin tratar de superarse unos a otros, sino estableciendo algún vínculo musical real.

Yoko estaba a punto de entrar al estudio con John (esto ya era algo común) y él le dijo: 'No, ahora no. Déjame hacer esto. Sólo será cuestión de un minuto. Eso me sorprendió un poco. Tal vez sintió que estaba regresando a sus raíces con los chicos, ¿quién sabe?

 

[GOLDEN SLUMBERS/CARRY THAT WEIGHT/THE END, THE BEATLES]

 

'Her Majesty', una canción desechable de 23 segundos, originalmente estaba destinada a ser parte del largo popurrí que dominó la segunda mitad de Abbey Road. Fue escrita por Paul McCartney en Escocia y originalmente se colocó entre 'Mean Mr Mustard' y 'Polythene Pam' en el popurrí. En cambio, era la posdata del álbum, con un tramo de silencio que la separaba de 'The End'.

'Her Majesty' es la canción más corta del repertorio de los Beatles y no figuraba en las ediciones originales de Abbey Road. McCartney decidió que no encajaba en el popurrí de la cara B del disco. El ingeniero John Kurlander lo recordaba así:

Hicimos todos los remixes y fundidos cruzados para superponer las canciones, Paul estaba allí y lo escuchamos juntos por primera vez. Él dijo: 'No me gusta 'Her Majesty', tírala', así que la corté, pero la dejé accidentalmente en la última nota. Él dijo: 'Es sólo una mezcla aproximada, no importa...' Le dije a Paul: '¿Qué debo hacer con eso?' "Tíralo", respondió. Me habían dicho que nunca tirara nada, así que después de que él se fue, la recogí del suelo, puse unos 20 segundos de cinta roja delante y la pegué al final de la cinta de edición.

El estridente acorde de guitarra que abre 'Her Majesty' es en realidad el acorde final de una mezcla aproximada de 'Mean Mr Mustard', mientras que la canción se corta sin la nota final, porque estaba destinada a continuar con 'Polythene Pam'. De hecho, es posible editar las tres canciones juntas para escuchar cómo fueron secuenciadas originalmente. Con este tema cerramos este episodio 102 de Strawberry Fields dedicado al álbum Abbey Road en el día en el que cumple 54 años. Muchas gracias por haber estado al otro lado acompañándome.

[HER MAJESTY, THE BEATLES]

PROGRAMA 101 STRAWBERRY FIELDS

 PROGRAMA 101 DE STRAWBERRY FIELDS. "HOLA AL ESTUDIO, ADIÓS AL ESTADIO" (PARTE 1).

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PROGRAMA 101 STRAWBERRY FIELDS

 

Haciendo historia y echando una vista al pasado de este podcast, una primera versión de este programa que estás a punto de escuchar marcó un antes y un después en Strawberry Fields cuando este se emitía en directo desde Radio Oasis Salamanca. Por mi parte, durante estos últimos años han sido muchas las tentativas de recuperar este material para volver a ponerlo en circulación, pero si bien en los anteriores intentos mi intención era grabarlo y lanzarlo tal cual fue concebido, en un día como hoy y dadas las circunstancias actuales me he sentido en la necesidad de modificar lo que se emitió en 2016, por lo que hay partes, nombres y títulos que han sido editados o que han desaparecido en esta versión final. Por eso lo que hoy te presento he querido titularlo “Hola al estudio, adiós al estadio” para cambiar la anterior denominación, y servirá para recordar ese momento tan determinante que fue el fin de la última gira de Los Beatles, cuyo tramo estadounidense empezó el viernes 12 de agosto de 1966 en el Anfiteatro Internacional de Chicago donde 26.000 fans pudieron ver a sus ídolos sin saber que después de trece fechas más se retirarían definitivamente de los escenarios, el lunes 29 en el Candlestick Park de San Francisco, y como, a partir de ahí, se instalaron literalmente en el Estudio Dos de Abbey Road... para dar cuenta al mundo de su creatividad".

 

Lo que vas a escuchar a continuación es una adaptación al presente del programa 50 que inauguraba la tercera temporada de la etapa radiofónica de Strawberry Fields el 9 de octubre de 2016, cuando en aquel momento se cumplían 50 años de aquel punto de inflexión tan crucial en la carrera del cuarteto de Liverpool. En esta ocasión se me unirá Eva Paula Bonora como colaboradora, inevitable por su disposición siempre que se lo pido y para así respetar el formato a dos voces que se usó hace 7 años. En aquel momento no estaba planeada una segunda parte, que finalmente sí se haría en el programa 54 debido al avance y descubrimiento de nuevos datos, y por eso este episodio 101 y el número que le corresponda al siguiente serán sendos especiales que girarán en torno a la gestación de “Strawberry Fields Forever” / “Penny Lane”, single primordial para entender la llamada "segunda época" de Los Beatles con unas investigaciones que se hicieron en aquel momento y que hoy he querido modificar en parte.

 

[PAPERBACK WRITER, THE BEATLES (CANDLESTICK PARK 1966)]

 

He iniciado este camino diciéndole “adiós al estadio” con el sencillo que trazaba la frontera perfecta entre los términos hola y adiós del título de este episodio, puesto que su cara  A, “Paperback Writer”, se convertiría en el último original tocado por el cuarteto en vivo, mientras que la contrapartida, “Rain”, sería imposible de reproducir sobre un escenario. Paul volvía a la idea, ya probada, de componer una canción a modo de carta, inspirándose en los autores de libros de bolsillo cual válvula de escape a sus inquietudes culturales. Y ha sonado la canción extraída de la grabación del cassette de Tony Barrow, agente de prensa de The Beatles, del 29 de agosto de 1966 en San Francisco, como si se tratase de una carta de libertad firmada por éstos para dejar las tablas.

Lennon no tardó en despertar de la pesadilla que suponían las giras para el grupo, y lo haría creando “Rain”, un tema que parece ir dirigido a quienes siempre se están quejando del tiempo. Cabe destacar que las cintas invertidas fueron fruto de la casualidad, ya que él puso una en sentido contrario de manera accidental en su domicilio y, ante la fascinación que le produjo ese sonido tan caótico, quiso incluirlo en la mezcla final. "¿Me escucháis si os digo que la lluvia y el sol no son sino estados de ánimo?", preguntaba entre la burla y la vanidad, en una primera pieza psicodélica que anunciaba la revolución que estaba por venir.

[RAIN, THE BEATLES]

 

Para encontrar el embrión de “She Said She Said” debemos remontarnos al comienzo de la segunda gira norteamericana, en agosto de 1965. El martes 24, durante una fiesta privada en Los Ángeles junto al actor Peter Fonda, miembros de The Byrds y demás personajes, John, George y Ringo decidieron tener su segundo viaje de LSD, pero ahora voluntario. Peter le diría a Harrison que sabía lo que era estar muerto y Lennon lo escuchó. En plena alucinación, desazonado y dudando de su existencia, John se zafó de aquél a quien consideraba pájaro de mal agüero y se aproximó a otro "volátil", Roger McGuinn, para proclamar "Be-Bop-A-Lula" como el mejor rock de los cincuenta. “He Said He Said” alude a la redundante conversación con Fonda antes de cambiarle el género.

 

[SHE SAID SHE SAID, THE BEATLES]

 

De "She's my baby" a “She Said She Said”, o de Gene Vincent a John Lennon, asistimos a la transición entre el rock clásico y el ácido, una de las muchas cuestiones sobre las que George Harrison tendría tanto que opinar... En su autobiografía I Me Mine, el más joven de Los Beatles aclararía que “I Want To Tell You” trata de la "avalancha de pensamientos difíciles de escribir, decir o transmitir". Uno de esos dilemas que le rondaban a George por la cabeza y que le hacían sentirse "obsesionado sin saber por qué" era, sin duda, esa especie de guerra del directo de los estadios o la calma que brindaba el estudio. En un replanteamiento actual del texto para el puente, añadiría: "No soy yo, sino mi mente la que confunde las cosas".

 

[I WANT TO TELL YOU, THE BEATLES]

 

Antes te mencioné la experiencia deliberada de tres componentes de Los Beatles con el LSD. Justo al revés sucedió la primera vez que John y George, más sus esposas, tomaron la sustancia que insinúa “Doctor Robert”, nacida de la pluma lennoniana. El facultativo al que se refiere este corte del álbum Revolver bien podría tratarse de Robert Freymann, pero fue el dentista John Riley quien mezcló sin consentimiento la dietilamida del ácido lisérgico con el té que ofreció a sus invitados. El suceso marcó la transformación musical de los de Liverpool y daría paso a una etapa exuberante y colorida, sobre todo en el Estudio Dos de Abbey Road, donde registrarían sus obras más psicodélicas entre 1966 y 1967.

 

[DOCTOR ROBERT, THE BEATLES]

 

Mientras que un médico con nombre de canción puede proceder de la más cruda realidad, “Got To Get You Into My Life”, por sorprendente que parezca, no se dirige a ninguna persona concreta. Es, como según McCartney admitiría años después, una "oda a la marihuana", concebida cuando él se estaba introduciendo en el consumo de cannabis y buscaba "expandir la mente" y aplacar su estrés. Un mensaje oculto dentro un ejercicio de "soul plástico" más evidente que el del LP anterior, porque se trataba de una voz blanca teñida de negro y arropada por un quinteto de metales. Al año siguiente, Paul recurriría a la misma musa para crear “Fixing A Hole” en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

 

[GOT TO GET TO INTO MY LIFE, THE BEATLES]

 

La primera mirada retrospectiva hacia el Liverpool vivido a lo largo de la niñez, en su expresión más consciente, la realizó John en la cara B del disco Rubber Soul en 1965. Ha trascendido hasta nuestros días un esbozo de la letra de “In My Life”, que pretendía describir una ruta llevada a cabo en autobús por la capital del Mersey y que nombraba a Penny Lane. Pero podemos ir aún más allá gracias a la generosa entrevista concedida por Lennon a David Sheff en septiembre de 1980, muy cercana a su inesperada muerte, en la cual afirmaba que a la hora de componer el tema en cuestión también le vino a la memoria el enigmático emplazamiento del Ejército de Salvación, llamado como un campo de fresas pero sin serlo.

 

[IN MY LIFE, THE BEATLES]

 

Continuando en la línea nostálgica de regreso a la ciudad natal, presenciamos un segundo acercamiento de Paul a la música de cámara, en el que se duplica la cantidad de instrumentos de cuerda utilizados en “Yesterday”. Líricamente, y al contrario que en "Penny Lane", lo que se narra en la canción es ficticio, aunque su título o, más bien, la identidad de su principal protagonista sí corresponde a alguien real, aunque su autor haya dicho que no se inspiró en ella. Aún así, es muy posible que Paul, a finales de los cincuenta, en una de sus huidas escolares junto a John al antiguo cementerio de la Iglesia de St. Peter en Woolton para fumar sus primeros cigarrillos o beber cerveza, se topara con los nombres de "Eleanor Rigby" y "John McKenzie" en los epitafios de las lápidas.

 

[ELEANOR RIGBY, THE BEATLES]

 

Strawberry Field y Penny Lane, como lugares reales de Liverpool, siempre pertenecieron al subconsciente de John Lennon y Paul McCartney, incluso antes de tener uso de razón. Su infancia, adolescencia y juventud estuvieron vinculadas a ellos por diversas causas, así que no es de extrañar que anhelaran volver a esa calma una vez cesada la tormenta de las giras. Adelantándose casi un año, el 1 de noviembre de 1965, durante un descanso en el rodaje de The Music Of Lennon & McCartney en la sede de Granada Television en Manchester, Paul comentó a un entrevistador que le apetecía escribir una canción sobre Penny Lane, por lo poético del nombre de la calle y del barrio en general.

Pero recordemos que fue John quien aludiría primero a Penny Lane en uno de los bocetos manuscritos de “In My Life” que han sobrevivido, anterior al 18 de octubre de 1965, fecha en la que se registró la voz de esta canción en Abbey Road. Conmemorándose el 11 de noviembre de 1966 el Armisticio de la Primera Guerra Mundial, coloquialmente conocido como "Poppy Day", hay quien ve probabilidades de que McCartney construyera en ese entonces la frase perfecta de la enfermera que vende amapolas para iniciar la última estrofa de un tema destinado a formar parte del próximo sencillo del grupo de manera atropellada, pero en ningún momento de la historia Paul ha dicho nada acerca de este dato ni lo recuerda, así que no puede afirmarse que esto sea así. En 1966 aquella fecha le cogería al volante de su Aston Martin DB6, un coche del que se sentía "muy orgulloso", y en el cual junto a Mal Evans había emprendido una excursión improvisada para ver a Lennon, de Francia a España.

 

[SPANISH GYPSY DANCE, THE SPOTNICKS]

 

Ha sonado "Spanish Gypsy Dance" en la versión que The Spotnicks realizaron en 1963 del popular pasodoble de Pascual Marquina, España Cañí. Es posible que John, Paul, George y Stu lo interpretasen de un modo similar en agosto de 1960 en el ilegal New Cabaret Artists de Allan Williams para el streaptease de Janice. Y en 1966, McCartney conducía de Burdeos a Almería, luciendo un bigote postizo de Wig Creations mientras pasaba por San Sebastián, Burgos, Madrid y Córdoba. En el trayecto filmaría con Mal la imagen de un toro de Osborne a su paso por la localidad castellano-manchega de Manzanares y a niños jugando a las corridas de toros en Córdoba.

En una llamada telefónica a Londres, ambos averiguaron que John ya había abandonado Almería varios días antes. Desde Córdoba se desviaron hacia Sevilla, donde Paul y Evans hicieron escala para convertir sobre la marcha su loca escapada en un safari, volando a la capital de España y de ahí, vía Roma, a Nairobi. A Brian Epstein le encantaba el Hotel Madrid, ubicado en la hispalense Plaza de la Magdalena y famoso por sus tertulias taurinas y que poseía un salón con un arpa y un piano de media cola. En él se hospedó bastantes veces antes de morir en 1967, año en el que el establecimiento también cerraría sus puertas. Paul y Mal no lo harían y el primero no tendría opción de juguetear con ese piano ya que no llegaría a entrar en la ciudad del Guadalquivir al dirigirse directamente a la zona del aeropuerto, ubicado en el trayecto entre Córdoba y Sevilla.

 

[PENNY LANE, THE BEATLES]

 

La melódica Hohner soprano fue usada por Lennon alguna vez para desarrollar sus ideas, como en aquel mes de febrero de 1964 en la suite 12 del Hotel Plaza de Nueva York, durante la primera visita de los Fab Four a EEUU. Las cámaras de los hermanos Maysles captaron el revelador fragmento, pero éste sería desechado en el montaje del documental de la época, What's Happening! The Beatles In The USA, hasta que lo redescubriera el archivista y restaurador filmográfico americano Ron Furmanek para The First US Visit. Éste sería también el encargado de la mejora del clip de “Strawberry Fields Forever”, cuya intro se anticipaba de repente más de dos años y medio.

 

[MELÓDICA, JOHN LENNON 1964]

 

El afamado ingeniero de sonido estadounidense Steve Hoffman destacó la pieza que acabamos de escuchar en su foro como la génesis de la composición de John, quien ya había citado Strawberry Fields en otro borrador de “In My Life”, como apuntamos anteriormente. De hecho, Lennon rescató la cadencia con una nota descendente por semitonos para iniciar en Almería el tema “It's Not Too Bad” y la armonía que cimentaría luego la estrofa del tema que nos ocupa. Hay que saber que a un músico cuando le sobreviene la inspiración, hay ocasiones en las que se puede almacenar esta idea, como en esta ocasión, para ser desarrollada años después. Es curioso que melódica y melotrón tengan el mismo prefijo, y fue muy relevante que ese breve instante también fuera integrado en el documental de Ron Howard “Eight Days A Week".

 

[IT'S NOT TOO BAD TAKE 1, JOHN LENNON (ALMERÍA)]

 

Tras cinco tentativas más mientras estaba en Almería, por fin se incluyó el nombre del lugar de Liverpool en la última y John continuaría trabajando seriamente la canción cuando regresó a su casa de Kenwood, registrándola en diferentes demos, una secuencia de las cuales, procedente de noviembre de 1966, engrosó el contenido de Anthology 2 y es la que he escogido para ambientar su evolución. Sólo queda subrayar, como fecha histórica, el jueves 22 de diciembre de 1966, día en que George Martin y Geoff Emerick provocaron la unión mágica entre las tomas 7 y 26 mediante el pitch, o sea, acelerando la primera y decelerando la segunda. "Lo hicimos —dijo Martin—, con un poco de suerte y la gracia de Dios".

 

[STRAWBERRY FIELDS FOREVER (DEMOS), JOHN LENNON]

 

Mientras Lennon ya trabajaba en Weybridge, McCartney hacía turismo en Kenia y en el vuelo de regreso a Londres, el sábado 19 de noviembre de 1966, se le ocurrió el concepto de la banda alter ego de los Beatles asociados al personaje militar. Fue tan fácil como que cuando les sirvieron la comida, ésta venía acompañada de unos paquetitos marcados con las letras "S" y "P", y Mal se preguntó qué significaría aquello. Paul sin pensarlo le dijo que "Salt and Pepper" (sal y pimienta) y, jugando automáticamente con las palabras, terminaron con "Sergeant Pepper". Después vendría el "Lonely Hearts Club" y había nacido un "nuevo" grupo, en el que la imagen del cuarteto cambiaría drásticamente y el bigote ahora crecería de verdad.

 

[SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND, THE BEATLES]

 

Algo muy curioso fue "el uso del griterío real del público del Hollywood Bowl —grabación inédita hasta 1977—" en el crossfade entre “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” y “With A Little Help From My Friends”, tema que el tándem Lennon-McCartney concebiría expresamente para Ringo Starr, presentado como Billy Shears en su liderazgo artístico de la ficticia Banda del Club de los Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. El chico de los tambores seguía constituyendo el receptáculo amistoso del conjunto y sus acólitos, tras pasar página y decirle “hola al estudio y adiós al estadio".

Resulta paradójico que cobrara tanta importancia entonces lo que mermó en notable medida Giles Martin para Live At The Hollywood Bowl, reedición vinculada comercialmente a Eight Days A Week (The Touring Years) en el año 2016. Ahora te invito a penetrar en la vivencia de Hunter Davis, biógrafo autorizado de The Beatles, relatada en su libro de 1968 sobre la composición de “With A Little Help From My Friends”,frase a frase a partir de la página 332, y que sucedió en el domicilio de Paul próximo a Abbey Road una tarde a mitad de marzo de 1967, junto a John.

 

[WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS, THE BEATLES]

 

Valga la canción que cierra la trilogía inicial del LP Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band como dedicatoria póstuma a Lucy O'Donnell, inspiradora de “Lucy In The Sky With Diamonds” a través de Julian Lennon y el dibujo, fallecida el 22 de septiembre de 2009 víctima del lupus, a los 46 años de edad. Contaría a la BBC: "Recuerdo a Julian y a mí haciendo fotos en un caballete de dos caras, arrojándonos pintura el uno al otro... él había pintado un cuadro y ese día en particular su padre apareció con el chófer para recogerlo de la escuela". Ella y el primogénito de John eran compañeros en el jardín de la infancia de la Heath House School de Weybridge, donde quizás hubiera "mandarinos" y las flores crecerían "increíblemente altas".

 

[LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS, THE BEATLES]

 

Secuela de “Penny Lane” al clavicordio, “Fixing A Hole” es otra incursión de McCartney en el tempo moderato que le permitió afianzar su técnica al teclado en stacatto con negras como figura base en ambas manos, repetida cronológicamente en “Getting Better” y “With A Little Help From My Friends” antes de aficionarse a las octavas en la izquierda. En el texto, según hemos indicado, procuraba continuar a la "deriva mental" gracias a la marihuana, pero la lluvia se lo impedía, al igual que ocurrió en la súbita expedición a Nairobi junto a Mal Evans, que filmó un minuto completo de aguacero y recibiría créditos. Porque Paul negó de forma tajante que la idea proviniera del arreglo de un tejado en High Park, su granja escocesa.

 

[FIXING A HOLE, THE BEATLES]

 

El martes 31 de enero de 1967, mientras Los Beatles rodaban el vídeo de “Strawberry Fields Forever” en Sevenoaks, John compró en un anticuario el cartel victoriano de 1843 que anunciaba el circo de Pablo Fanque en Town Meadows, Rochdale. Aparte de Mr. Kite, los personajes que Lennon enumeraría en la canción pertinente se hallaban en el afiche, que inspiró además el eslogan de éxito asegurado del álbum: "A splendid time is guaranteed for all". Los de Liverpool habían conseguido reemplazar su actividad multitudinaria y aburrida, que rozaba lo circense, por otra intimista e imaginativa y John "olió el serrín" gracias a George Martin.

 

[BEIGN FOR THE BENEFIT OF MR. KITE, THE BEATLES]

Aunque se publicara con el LP Yellow Submarine en 1968, “Only a Northen Song” fue concebida para Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y éste es el principal motivo de la elección del documento sonoro, extraído del segundo volumen de Anthology. El más joven del cuarteto pretendía manifestar en este tema su descontento con la editorial que gestionaba los derechos de las composiciones de la banda desde febrero de 1963, sociedad a la que sólo pertenecían al principio Lennon y McCartney, pero que en 1965 y por un período de tres años, Harrison firmó también. Al pasar el tiempo le atormentaría la sensación de verse explotado y declararía que acabó dándose cuenta del engaño al que había sido sometido.

 

[ONLY A NORTHEN SONG (ANTHOLOGY), THE BEATLES]

 

Un tema "occidental" se cambiaría por otro "oriental" como contribución de George Harrison al nuevo álbum. Recuerda Roger McGuinn, que en el encuentro de 1965 en Beverly Hills ya mencionado, mostró con la guitarra a George cómo era la música de Ravi Shankar, al que había escuchado por compartir The Byrds discográfica con el hindú, pero Harrison no lo conocía. “Norwegian Wood”, donde un pájaro también voló, y “Love You To”, en Rubber Soul y Revolver respectivamente, ilustraron su creciente interés, y el miércoles 14 de septiembre de 1966 Harrison viajó a la India para aprender sitar con Ravi. “Within You Without You” procede de un alumno aventajado.

 

[WITHIN YOU WITHOUT YOU, THE BEATLES]

 

Alguien ríe por George concluida la pieza, una de las favoritas de John en su estilo, mientras la magia del directo sustituye el ashram... por el cabaret... Paul diría: "Compuse ‘When I'm Sixty-Four’ cuando tenía quince o dieciséis años, en el piano de mi casa de Liverpool". Algunas fuentes la sitúan en el repertorio de temas tocados en vivo por Los Beatles en 1962 y una leyenda liverpuliana sostiene que esta sonó en su última actuación en The Cavern, día en el que se fue la luz y McCartney acarició las teclas del instrumento de pared que había en el escenario.

 

[WHEN I'M SIXTY FOUR, THE BEATLES]

 

Volviendo a nuestra temática actual, Lennon pasaba muchas horas delante de la televisión, aparato que solía mantener enchufado mientras componía. Al parecer, en uno de esos momentos irrumpió el spot de los cereales Kellogg's, que él para colmo adoraba, y se animó a escribir “Good Morning Good Morning”, que incluiría al gallo con toda la fauna después, animales también captados por Evans en Kenia. Existe una demo de John al melotrón, instrumento utilizado también en “Strawberry Fields Forever”. Ahí va.

 

[GOOD MORNING GOOD MORNING, JOHN LENNON (DEMO)]

 

Desembocamos así en el final de este episodio con “A Day In The Life” en la que John y Paul volverían a reunirse musicalmente tras el fallido intento de hacerlo en persona en Almería. En las páginas de un periódico, la edición en concreto del martes 17 de enero de 1967 del Daily Mail, Lennon encontraría la idea para crear una obra excepcional destinada a clausurar esa función imaginaria que se representa en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Y una nueva referencia almeriense adorna su texto, porque aquello de "Hoy he visto una película en la que el ejército inglés acababa de ganar la guerra" no era más que el recuerdo del sur de España.

 

[A DAY IN THE LIFE, THE BEATLES]

 

Anocheciendo metafóricamente en este día de nuestra existencia, despido lo que supuso el inicio de unas investigaciones y el nacimiento en este espacio de un proyecto muy ilusionante para mí en aquel entonces pero que hoy ya no lo es. Al igual que lo que se lanzó en 2016, esta adaptación de aquel programa radiofónico número 50 de Strawberry Fields, que hoy en podcast se convierte en el 101, ha pretendido explicar de modo exhaustivo las actividades de los miembros de Los Beatles involucrados, en especial del tándem Lennon-McCartney en su periplo español, desde la estancia de John en Almería hasta el viaje privado de Paul junto a su roadie atravesando nuestro país. Lo único que he hecho durante la edición que has podido escuchar ha sido eliminar o modificar las partes que a día de hoy y por las circunstancias ya no apoyo ni comparto. Antes de cerrar esta primera parte de “Hola al estudio y adiós al estadio” te invito desde ya a estar pendiente porque la segunda tengo intención de que no se demore demasiado en estar disponible.

Y como “Strawberry Fields Forever” es la canción en la cual me inspiré para darle nombre a este proyecto y ha sido el eje principal de esta primera entrega de “Hola al estudio y adiós al estadio”, será la encargada de cerrar el programa de hoy.

 

[STRAWBERRY FIELDS FOREVER, THE BEATLES]

 

PROGRAMA 100 STRAWBERRY FIELDS

 EPISODIO 100 DE STRAWBERRY FIELDS. HOMENAJE A LOS OYENTES.

¿Prefieres escuchar la versión en podcast?

Para poder disfrutar del Programa 100 de Strawberry Fields puedes escucharlo en el reproductor que tienes a continuación, pero si quieres leerlo puedes seguirlo haciendo más abajo.

PROGRAMA 100 STRAWBERRY FIELDS

[ALL MY LOVING, GEORGE MARTIN ORCHESTRA]

Bueno, pues han pasado casi tres meses desde que la temporada 3 bajase el telón y de nuevo estoy aquí a tu lado. Hoy es un día muy especial, porque a parte de dar comienzo la temporada 4, voy a celebrar contigo que he llegado a la bonita cifra de 100 programas compartiendo mi locura contigo. Madre mía, aún no me creo que haya llegado a este número. Cuando comencé esta segunda etapa de Strawberry Fields en formato podcast el 20 de noviembre de 2020 (porque te recuerdo que el espacio nació en 2014 como programa de radio en directo) jamás pensé que casi tres años después fuera a seguir aquí y encima mucho más fuerte e ilusionado que entonces. El 23 de octubre de 2020 anunciaba que retomaba el proyecto y lo compartía de esta manera en redes sociales:

 "Strawberry Fields me permitió a su vez hacer un buen puñado de amistades de las que algunas puedo decir que son de las mejores que tengo, y son las que me han animado a decidir rescatar ese viejo proyecto, en el cual trabajaré con la misma ilusión de siempre. Ahora, tres años y medio después de su última emisión, me gustaría anunciaros que el próximo viernes 20 de noviembre publicaré el primer podcast (medio de difusión elegido) de esta nueva era, que espero que llegue a todos vuestros hogares para que disfrutéis de la música de los de Liverpool. Muchísimas gracias a todos por vuestro apoyo durante estos años, os prometo que el al final el amor que daré, será igual que el recibido. Beatles Forever!"

 

En aquel momento hice hincapié en que no marcaba una periodicidad para la publicación de los episodios, pero desde el primer momento acabó siendo un programa semanal, parando únicamente en periodos festivos. Aunque ahora te parezca mentira, esto era porque ni siquiera yo confiaba en poder seguir un ritmo estable en las grabaciones y publicaciones. La primera temporada fue complicada, porque a pesar del esfuerzo que ponía en cada nuevo episodio no veía una gran respuesta en el número de escuchas, pero ya desde ese momento la premisa fue hacerlo para quien estuviera al otro lado, fueran 3, 100, 200 o 5000 personas. La segunda temporada me permitió llegar a muchos más oyentes y la tercera fue la de la confirmación de que el proyecto merecía mucho la pena gracias a los reconocimientos de la Asociación Podcast y los Premios de la Audiencia de iVoox, donde por primera vez el nombre de Strawberry Fields hacía acto de presencia a nivel nacional.

Pero bueno ahora vamos a lo que hoy nos trae aquí, y es la celebración de estos 100 programas, para los que durante el verano he pedido a los oyentes que me enviasen audios con unas palabras dedicadas al podcast acompañados por la canción que querían escuchar porque mi deseo era que hoy fuera un homenaje a todos los que estáis ahí semana tras semana. Aunque los meses de vacaciones son complicados para poner algo así en pie, habéis sido muchos los que habéis atendido a mi llamada y por eso quiero agradecer vuestra implicación para que esto que vamos a escuchar haya sido posible y os entrego a vosotros la realización de este programa tan especial. Muchísimas gracias por todo.

 

[HERE COMES THE SUN TAKE 9]

Desde este momento el programa se compone de audios de los oyentes y mis respuestas improvisadas y sin guion, así que te invito a escucharlo de 1, 2 ó 3 veces porque la respuesta ha sido maravillosa y ha quedado un episodio enorme. A continuación, la selección musical hecha por los oyentes del podcast.

WE CAN WORK IT OUT - FÁTIMA GARCÍA

EIGHT DAY'S A WEEK - JORGE PLACEK (EL VUELO DE YORCH)

YOU KNOW MY NAME (LOOK UP THE NUMBER) - ANTONIO JOSÉ MAESTRO

STRAWBERRY FIELDS FOREVER/WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS - CARMEN GARCÍA PERALTA

DIG A PONY - RICARDO PORTMAN (ECOS DEL VINILO)

IN MY LIFE - CRISTINA INCLÁN

BECAUSE (A CAPELLA) - JOSEP MOLIST

YESTERDAY - JORGE D. TOMÁS (EXPLORADORES DE ONDAS)

LET IT BE - JOSÉ LUIS GARCÍA 

HAPPINES IS A WARM GUN

BLACKBIRD - ESTHER (EL RUGIDO DE MI IMPALA)

I'VE JUST SEEN A FACE - JESÚS JIMÉNEZ (LA GRAN TRAVESÍA)

ELEANOR RIGBY - EMILIO GARCÍA

JULIA - JAVIER ARAÚJO Y FAMILIA

I'LL BE OWN MY WAY - JESÚS IBIAS

I SAW HERE STANDING THERE - PEDRO LÓPEZ (HARRISEIN)

WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS - IGNACIO DEL VALLE (PODCAST DE TODOCOLECCIÓN)

ANOTHER GIRL - EVA PAULA BONORA

I WANT YOU (SHE'S SO HEAVY) - ROBERTO MARTÍNEZ (BIENVENIDO A LOS 90)

SAVOY TRUFFLE, PIGGIES - MARTA G. NAVARRO (EL QUINTO BEATLE, EL DESGUACE, BEATLEFEAST)

DEVIL'S RADIO (GEORGE HARRISON) - MIGUEL GONZÁLEZ 

HOPE FOR THE FUTURE (PAUL MCCARTNEY) - RUBÉN MEJÍAS

AWAITING ON YOU ALL (GEORGE HARRISON) - DIEGO MENDOZA 

 LOVES COME TO EVERYONE (GEORGE HARRISON) - MARÍA JESÚS MARTÍN 

WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS (LOVE) - ALBERTO PÉREZ CABRERA

CELESTINO MARTÍNEZ - MEDLEY ABBEY ROAD